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Pourquoi le travail du designer stagiaire n’est pas considéré ?

Je me suis posé cette question durant ces premières semaines de stage, mais tout particulièrement le 30 avril. Ce jour-là, veille du 1er mai, j’envoie un message à mon tuteur pour lui demander si je travaillais le lendemain.
Je savais que je ne devais pas travailler les jours fériés, c’est ce qui est prévu par la loi en tout cas.
Ce message était plutôt une manière de lui rappeler ce jour, au cas où il l’aurait oublié, et de pouvoir dormir sur mes deux oreilles sans recevoir un maximum de messages de bon matin.

La réponse de mon tuteur était pour le moins inattendue.

« le projet est hyper cool pour un stage ». Ces termes m’ont un peu choquée (juste un peu), mais ça m’a permis de m’interroger sur la perception de nos métiers.

C’est à ce moment-là que j’ai compris que mon travail au sein de l’agence, en tant que stagiaire, n’était pas considéré comme du travail. (Ironiquement)
J’explique ce manque de considération par deux raisons :

T’es pas assez efficace, donc ce n’est pas vraiment du travail.
C’est un projet cool, donc ce n’est pas vraiment du travail.

Le premier argument est classique et, selon moi, valable. Mon tuteur m’a dit :
« Tu viens de faire en deux jours ce que ferait un designer expérimenté en 3h ».
Je ne suis pas assez rapide et je peux poser un frein dans l’avancée des projets.
OK 👍
Dans cette explication, je comprends aussi que je suis une étudiante et que l’enjeu est d’apprendre au contact de professionnels. Une de mes angoisses avant ce stage était d’être considérée comme de la main-d’œuvre moins chère, donc me voilà rassurée.

Le deuxième argument, en revanche, m’a fait me demander si mon travail était vraiment considéré comme tel au sein de l’agence. Me revoilà à me demander si je ne suis pas de la main-d’œuvre moins chère.

Est-ce que, parce que j’ai l’occasion de travailler sur un projet créatif et stimulant, dans le cadre d’un stage, je dois faire des heures supplémentaires (non rémunérées) ? Je les trouve, par ailleurs, injustifiées car le projet n’a pas de deadline claire pour le moment. (On a le temps, on peut se détendre)
Pour le contexte, ce fameux projet dans lequel on me demande de m’investir corps et âme consiste à créer quatre illustrations ambitieuses et surréalistes. Mon tuteur n’est pas illustrateur, je mène donc ce projet en autonomie quasi totale.

Grâce à cette expérience, j’ai compris qu’en tant que designer, on attendra toujours plus de moi sous prétexte d’un projet intéressant ou d’un « travail plaisir ».
Je pense que cette vision des métiers créatifs, bien qu’omniprésente selon moi, est la porte ouverte aux dérives : travail dissimulé, heures supplémentaires, manque de considération, précarité. (C’est déjà le cas, non ?) J’ai peur qu’accepter et normaliser ce genre de demande mène à briser la frontière entre vie pro et vie perso, avec des horaires complètement déréglés, ou que ça puisse causer un burn-out.

Avec du recul, je retiens quand même énormément de positif de ce projet.
Je sens que c’est une grande opportunité pour moi et une occasion
de m’améliorer et d’optimiser ma pratique de l’illustration.

Au final, j’ai travaillé sur le projet le 1er mai. (ouch) Je considère toujours ce stage comme une opportunité de travailler sur de beaux projets, particulièrement parce que je ne fais pas d’exécution.

Il y a plusieurs raisons qui m’ont conduite à accepter cette demande que je méprise :
– L’envie de me faire bien voir auprès de mon maître de stage,
lui montrer que je suis investie.
– Sécuriser de futures collaborations et contrats avec l’agence.
– Prendre le temps de créer des illustrations les plus poussées possibles,
c’est un projet qui pourrait devenir une pièce importante de mon portfolio.

Je pense que le designer doit aujourd’hui jongler entre les attentes
et ses propres limites. Je pense qu’un stage est une manière efficace et rapide de découvrir ces fameuses attentes.

Et demain, on fait quoi ?

Ça va faire trois semaines que je fais mon stage chez Dédouze et, comment dire… c’est très différent de mon stage précédent. L’année dernière, j’avais fait mon stage chez Mazarine, une agence de communication spécialisée dans les produits de luxe. Là-bas, tout était carré : les postes de travail, les demandes des clients, mais aussi l’emploi du temps. Chaque employé avait son planning sur lequel étaient indiqués les horaires et les projets à réaliser.

Ici, c’est tout le contraire. Cela ne me déplaît pas du tout, mais c’est assez étrange de ne pas savoir, d’un jour à l’autre, si je serai en télétravail ou non, ni ce que je vais faire exactement. C’est notamment là que je vois la différence entre une agence et un freelance. D’un côté, le travail est organisé autour d’un emploi du temps , de l’autre, il est rythmé par les deadlines, ce qui demande beaucoup plus de préparation et de rigueur.

Un freelance n’a pas ce cadre qui lui permet d’être constant dans son travail. Il doit savoir être organisé et anticiper. Sauf que cela rajoute beaucoup de tâches en plus de son travail d’origine.

Je pense qu’il est très difficile d’être freelance, car il faut une certaine motivation et un self-control incroyable pour lutter contre la procrastination ou tout autre problème lié au freelance. Cela doit être plaisant d’être son propre patron, mais en même temps, on doit être capable d’être aussi carré qu’un patron avec soi-même.

En réalité, j’aime beaucoup ce stage, notamment parce que j’apprécie le travail de Dédouze depuis plusieurs années, mais aussi grâce à son atelier, Paris Print Club. C’est un lieu rempli d’artistes : typographes, graphistes, architectes, graveurs, illustrateurs et même imprimeurs en sérigraphie. L’endroit regorge de références, il est super inspirant et, surtout, il est à 1 h 20 de chez moi. Super !

Mais la super giga bonne nouvelle, c’est que les projets de Dédouze sont très diversifiés. J’ai notamment commencé à réfléchir avec lui à l’imagination de son site internet, qui, actuellement, ne sert pas à grand-chose. J’ai même pu faire de la recherche sonore pour un nouveau film (car il est aussi compositeur de musique).

Lors de cette recherche de sons, je me suis rendu compte que la musique, c’est aussi du design (personne ne l’avait vue venir, celle-là). Pour le film sur lequel il travaille, il a besoin de créer des atmosphères, des ambiances, et la musique doit en faire partie. Je me suis retrouvée à écouter des musiques presque concrètes ou abstraites, faites à partir de bruits de bouche très étranges. Parce qu’au fond, on ne choisit pas une musique uniquement parce qu’elle sonne bien, mais pour ce qu’elle fait ressentir.

(À méditer.)

Servir notre objectif par la pratique du graphisme

Ce début de stage me permet de voir le monde professionnel de la création, et aux côtés de ma maîtresse de stage d’envisager différemment les perspectives d’avenir pour mener à bien son projet. En effet, il est assez intéressant de voir son travail et la façon dont elle s’investit pleinement dans son projet.

Pour le moment en ces débuts de stage en l’attente de la réfection du local, nous sommes en télétravail certains jours en relation fréquente avec ma maîtresse de stage par messages et visios, tandis que d’autres jours nous nous retrouvons dans des espaces de coworking plutôt sympathiques.

J’ai eu l’occasion de travailler sur différents morceaux de projets, notamment sur un poster pour une goodies box encore en cours de conception, et plus récemment depuis une semaine environ sur le lancement de l’interface utilisateur de l’application mobile. Un nouveau site web est en cours d’acheminement, et l’idée était de déployer le concept sur tous supports en apportant quelques fonctionnalités exclusives à l’app, avant tout pensée pour les enfants contrairement au site qui est plutôt à l’intention des parents.
Ce projet est long et ce n’est pas terminé, mais il me plaît, je travaille sur Figma et c’est vraiment agréable de ressentir l’avancée du projet et de voir l’application se former.

Nous ayant fait part de son expérience et de la façon dont on peut atteindre ses objectifs idéaux, notamment par le biais de notre pratique du graphisme en mettant nos compétences au service d’un projet qui justement nous permettra d’atteindre cet objectif même.
De son côté cela se traduit par sa détermination à proposer ce qui lui a manqué durant son enfance : la mise en confiance, l’accompagnement et la fierté de soi pour bien grandir.

C’est aussi ça qui est enrichissant, de pouvoir suivre son parcours professionnel, d’observer les défis qu’elle rencontre en tant qu’indépendante et de voir dans quel cas elle a besoin de faire appel à des experts, notamment pour la réalisation de tâches complexes telles que le développement web de son site internet, ou application mobile sur laquelle je travaille l’interface.
Étant donné qu’elle a créé son entreprise récemment, on voit bien toute l’ambition qu’elle y met pour faire perdurer son projet. Porté sur le développement des enfants, il est en pleine construction, et c’est super de pouvoir suivre les premières étapes d’un projet aussi ambitieux et de voir comment elle s’adapte tout en étant motivée.

Pour le moment ce stage me permet non seulement de pratiquer au service d’une personne, ce dont nous n’avons pas tellement l’habitude en études, mais également de me poser des questions sur l’usage qu’on peut faire de notre pratique du graphisme.

Comment être force de proposition dans un rôle d’exécutant ?

Mon stage a débuté il y a une semaine. Je n’ai clairement pas assez de recul pour répondre à cette question, mais elle s’est posée dès les premiers jours et je sens qu’elle va me suivre un moment.

J’accompagne Visual Corner dans le développement de sa communication sur les réseaux sociaux. Je prends des photos et des vidéos de ma maître de stage, qui est aussi la directrice de l’agence. Elle travaille seule et elle est le visage de la marque, donc il est important pour elle de montrer son quotidien, ses échanges, ses rencontres avec d’autres entrepreneures, pour créer une vraie proximité avec sa communauté. À côté de ça, je crée des templates de story motivationnelles, inspirée de celles de Emma GREDE, pour maintenir un rythme de publication régulier.

Meeting de présentation du systeme branding de Onanda Jewerly.

La cible est précise : des femmes qui veulent entreprendre, oser, prendre leur place. Une business girl qui parle à de futures business girls. L’univers visuel est lui aussi très précis : élégance, audace, confiance. Tout est cohérent et maîtrisé. Et c’est justement là que ça se complique.

On me demande de respecter les valeurs, la personnalité et la charte graphique de la marque. Jusque-là, logique. Mais on me demande aussi d’être force de proposition. Mais comment proposer du nouveau quand on est encore en train de comprendre la marque ?

D’un côté, on attend de moi que j’exécute bien. De l’autre, que j’apporte quelque chose en plus. Et ces deux attentes ne sont pas toujours faciles à faire cohabiter quand on arrive, surtout comme stagiaire.

J’ai identifié deux approches possibles. La première, c’est de rester dans le cadre mais d’explorer ses limites comme garder les mêmes codes visuels mais par exemple tester un nouveau format, une autre composition, un autre rythme visuel. L’autre option, c’est d’oser davantage, d’être plus créative, sortir des sentiers battus.

Ce qui me freine, c’est surtout le regard qu’on va porter sur mes propositions, car je veux bien faire. Mais si je sors trop du cadre, est-ce qu’on va se dire que je n’ai rien compris à l’identité de la marque ? Que je ne sais pas suivre une charte ? Et à l’inverse, si je reste trop sage, est-ce qu’on va me voir comme quelqu’un qui se contente d’appliquer sans réfléchir ?

Il y a aussi la question de la légitimité. En tant que stagiaire, on arrive sans avoir fait nos preuves. On se dit d’abord « montre d’abord que tu sais faire, tu proposeras après ». Mais en même temps, si on attend trop, on passe à côté de se créer une place différente, de se créer en tant que futur designer, d’être fière de son travail, de se faire une place, et de ne plus être vu comme le/la stagiaire.

Je pense que ce n’est pas un choix entre l’un ou l’autre. C’est un dosage. On peut respecter une identité et proposer des choses, à condition de savoir expliquer pourquoi. Mais encore une fois ici, je suis confrontée à la barrière de la langue. Bien que je me débrouille comme je peux et que je comprends tout, je n’ai pas encore le niveau pour m’assurer de présenter parfaitement ma proposition. Mais bon je pense que les premières semaines sont sûrement faites pour observer, montrer qu’on a compris. Et c’est une fois cette base posée qu’on peut se permettre d’oser plus. C’est un peu frustrant quand on a envie de tout donner dès le début.

Au fond, cette question c’est une tension qu’on retrouve dans le métier en général : comment mettre sa patte dans un projet qui ne nous appartient pas ?

Entrer dans le monde professionnel avec une grande entreprise

Je fais mon stage chez ENGIE, au pôle communication. Engie est une entreprise française spécialisée dans la production et la distribution d’énergie, notamment dans l’électricité, le gaz naturel et maintenant les énergies renouvelables. Mais ce qui se cache derrière Engie, c’est une grande maison avec 90 000 personnes réparties sous quatre pôles, autrement dit quatre entités. Certaines sont plus orientées réseau & infrastructure, et l’une d’elles est la mienne : Renewable & Flexible.

Premier jour, première impression : WOW. Pourquoi ? Parce que je suis située sur un campus de plusieurs hectares accueillant plus de 9 000 personnes. C’est littéralement une ville dans la ville : salle de sport, spa, restaurant, crèche, médecin… et plein d’autres choses que j’oublie forcément. Tout est pensé pour que les salariés se sentent bien, et ça se ressent dès qu’on passe les portes. Et moi dans tout ça, je suis installée dans un open space avec un workcafé, un espace de travail ouvert avec un poste de travail.

Techniquement, ça fait trois semaines que je suis en stage, mais j’ai été arrêtée une semaine et demie. Pourquoi ? La maladie de Ménière 🙃 Pas idéal pour débuter, mais on fait avec.

Malgré cela, Marina (ma maître de stage) m’a déjà confié plein de choses : des templates pour l’écran du workcafé, des photos, des visites, des réunions, des scripts pour des tournages, des supports de communication pour des événements à venir 🤫 (je suis devenue corporate)

J’ai aussi appris à me servir de la suite Microsoft, où des logiciels tels que Actito ou encore Teams.

Mais j’ai rencontré mon pire ennemi : la charte graphique et ses 98 slides d’utilisation. Je dois faire attention à tout, aux espacements, au logo, à l’utilisation des encodants selon que ce soit en bureautique ou en print. À TOUT. D’autant plus qu’au début, je pensais que j’allais m’ennuyer à faire des templates à longueur de journée. Mais pas du tout : entre les réunions, les échanges avec les équipes et les supports de communication interne et externe, je ne sais plus où donner de la tête.

Et surtout, pour faire comprendre mes démarches créatives, j’ai dû faire des croquis. Beaucoup de croquis. Quant à ma place de graphiste… je ne sais pas trop. Certes, je communique, mais je ne crée pas comme je le voudrais. Je me contente d’appliquer, en exécutante. C’est peut-être ça aussi, la réalité d’un stage dans une grande entreprise.

Et maintenant, on fait quoi ?

Alors que mon stage touche à sa fin, une nouvelle forme d’étonnement me vient à l’esprit. Non plus liée à la découverte d’un fonctionnement, d’une personne ou d’un environnement de travail, mais à la difficulté de quitter un cadre dans lequel je me suis sentie bien.

Ces dernières semaines, j’ai pris conscience à quel point ce stage a été plus qu’une simple “expérience professionnelle”.

Travailler aux côtés de Saïdath m’a permis de me situer dans un écosystème créatif où la polyvalence, l’écoute, et la fluidité des rôles forment une dynamique de travail vivante, humaine, et surtout, motivante.

Je termine ce stage avec une forme de gratitude rare. J’ai non seulement développé des compétences concrètes (graphisme, communication, suivi de projet, photographie, accompagnement en shooting, etc.) mais aussi rencontré des gens formidables et surtout acquis une manière de penser le travail autrement. Plus libre, plus sensible et plus humaine.

Ce qui m’étonne aujourd’hui, c’est l’intensité avec laquelle je me suis attachée à ce mode de travail. Une structure souple, une relation de confiance, une vision du design qui floute les frontières entre mode, objet, identité, et narration et une réelle volonté de s’améliorer ensemble. À la fin de mon stage Saïdath savait à quel point je m’intéresse au design floral en ce moment et m’a mis en relation avec une amie à elle, fondatrice de House of Prose, un studio floral dont j’admire le travail. Elle a fait aussi pensé à m’offrir des fleurs, un geste qui, mine de rien m’a beaucoup touché. Cette expérience me laisse une trace et me donne envie de continuer à évoluer dans des cadres qui me ressemblent, sans avoir à renier mon identité ni à rentrer dans un moule, comparé aux autres marques avec lesquelles j’ai eu un entretien pour le même poste.

Je crois que ce stage a nourri une forme de réconciliation entre mes aspirations personnelles et ce que je pensais que le “monde pro” attendait de moi. Je me suis longtemps préparée à “faire mes preuves”, à encaisser, à me suradapter. Mais ici, j’ai découvert que l’on peut avancer autrement. Qu’un regard bienveillant n’est pas un signe de faiblesse, mais une vraie force dans le processus de création.

Alors forcément, la question que je me pose maintenant, c’est comment retrouver un cadre aussi sain ? Est-ce que ce stage est une exception, ou un modèle vers lequel je peux tendre dans la suite de mon parcours ?

Est-ce que je vais devoir choisir entre confort humain et ambition professionnelle ?

Je n’ai pas encore les réponses. Mais ce que je sais, c’est que je n’ai plus envie de me faire toute petite pour “mériter ma place”. Ce stage m’a montré qu’il était possible d’être prise au sérieux sans avoir à me durcir, que l’autonomie se construit mieux dans un cadre de confiance que sous la pression, et que le design commence souvent là où la relation humaine est solide.

Créer, c’est décider

Au fil des semaines, j’ai compris que la création s’accompagne surtout d’un acte moins visible mais fondamental : la décision.

Chaque projet auquel j’ai participé m’a confrontée à des choix esthétiques, techniques et/ou stratégiques mais toujours à prendre vite, et dans un cadre complexe.

Le meilleur exemple, c’est le chantier colossal du groupe M6. Suite au rachat et au regroupement de plusieurs chaînes (W9, 6ter, Gulli, Téva, RTL,ParisPremière etc.) dans une plateforme commune, M6+, il a fallu repenser une grande partie des logos, des noms et des cohérences visuelles entre les marques. On a dû modifier certains logos, (notamment trouver une nouvelle formalisation en 2D car la 3D n’est plus en phases avec les tendances graphiques ), adapter des univers très identifiés à un ensemble plus cohérent, mais aussi concevoir un nouveau logo pour “M6 Groupe”, qui rassemble toutes ces entités sans les faire se marcher dessus.

Tout cela sous deux contraintes fortes :

• un timing rapide pour valider, produire et livrer les premières versions

• une grande responsabilité : M6 est une marque puissante, et chaque ajustement a un impact large.

Même chose avec le projet du journal télévisé de la chaîne Nouvelle 19 (liée à Ouest France). Le brief : imaginer l’habillage complet de leur JT de l’identité visuelle au générique, en passant par les jingles, les animations d’antenne et la proposition de logo. Là encore, il a fallu trancher très vite : le travail se faisait en équipe, et devait être transmis rapidement aux monteurs / motion designer, pour que l’habillage prenne vie sans perte de temps. Choisir une typographie, valider une intention d’image ou un rythme de transition, ce n’était pas “une étape parmi d’autres” : c’était le cœur du travail.

J’ai aussi travaillé sur une future émission Canal+ portée par Antoine de Caunes, autour du cinéma, dans l’esprit du “Cercle”. Il a fallu concevoir une identité graphique déclinable pour tous les écrans plateau, jingles, transitions, générique. Là encore, créer une esthétique, c’est concevoir un système : une mécanique qui fonctionne visuellement, mais aussi facile à décliner pour les équipes internes. Et cela suppose de prendre rapidement les bonnes décisions sur les couleurs, les formes, les hiérarchies d’info, le ton, etc. pour que le motion designer puisse ensuite passer à l’animation dans la foulée.

Je pensais que décider en création signifiait souvent “couper” dans ses idées, renoncer. Mais j’ai appris que c’est l’inverse : décider, c’est clarifier. C’est aller à l’essentiel, dégager une intention forte, lisible, efficace.

C’est aussi une forme d’autonomie que je ne pensais pas avoir si tôt : j’ai été amenée à prendre des décisions graphiques qui avaient un vrai poids dans les projets, car il fallait que ça avance, que ce soit cohérent, et que ce soit beau.

Enfin, ce stage m’a aussi permis de comprendre que dans la création contemporaine, notamment dans le domaine de l’image animée ou du branding télé, la rapidité n’est pas l’ennemie de la qualité.

On peut créer vite et bien, à condition de savoir s’adapter, faire confiance à son œil, à son intuition, et à son équipe.

Loin de me brider, ces délais m’ont au contraire poussée à me recentrer sur ce qui fait sens. J’ai appris à faire des choix, à défendre des directions, à travailler plus efficacement, mais sans sacrifier ma créativité.

Créer, c’est décider et aujourd’hui, je me sens bien plus capable de le faire.

Apprendre autrement : le stage nous forme-t-il mieux que l’école ?

Pour cette dernière note, il me semblait intéressant de poser la fameuse question : le stage est-il plus formateur que l’école, ou nous apprend-il simplement différemment ?
Bien sûr, la réponse dépend de la qualité de l’enseignement et du stage. Ici, je parle avant tout de mon expérience et de ce qu’elle m’a apporté.

Ces trois derniers mois m’ont fait réaliser à quel point le stage et l’école n’enseignent pas de la même façon. Je ne dirais pas que l’un est “plus formateur” que l’autre, mais plutôt qu’ils se complètent et nous apprennent des choses différentes.

À l’école, on travaille souvent dans un cadre assez libre. On peut explorer, tenter des choses, chercher notre style, sans forcément penser à des contraintes externes. C’est une période d’expérimentation qui permet de se concentrer sur le fond et sur la créativité. Mais en stage, on entre dans une autre logique : il faut répondre à des attentes concrètes, respecter des délais, s’adapter à des demandes précises.

Ici, je me suis retrouvée face à des contraintes nouvelles : des chartes graphiques imposées, des logos à intégrer, des informations à hiérarchiser… Et même si ces règles limitent parfois la liberté créative, elles m’ont permis de mieux comprendre la réalité du métier. J’ai aussi dû reprendre des fichiers créés par d’autres graphistes. Ça m’a beaucoup intéressée de décortiquer leur travail : voir comment ils construisent leurs visuels, comprendre leur logique, et m’en inspirer pour améliorer mes propres méthodes.

*Sauvez un graphiste, nommez vos calques*

Travailler en équipe a aussi changé ma manière de réfléchir. Quand une idée venait d’un collègue, je devais trouver comment la réaliser techniquement. Parfois ça me poussait à sortir complètement de ma zone de confort et à apprendre de nouvelles techniques. C’est un apprentissage plus spontané, qui vient directement du besoin de résoudre un problème.

Un exemple concret : dans mon stage, Photoshop est très utilisé. Ce n’est pas un logiciel vers lequel je me tourne naturellement, mais ici j’ai dû m’y plonger. À force de pratique, j’ai compris ce qu’il pouvait m’apporter et j’ai gagné en confiance dessus.

Au final, je ne dirais pas que le stage m’a appris “plus” que l’école, mais il m’a appris autrement. Là où l’école nous donne le temps d’explorer, le stage nous confronte aux réalités du métier : contraintes, travail en équipe, efficacité. C’est une expérience complémentaire qui m’a permis de progresser différemment, tout en me faisant réfléchir à ma façon de travailler.

Une équipe aux contours flous

En étant un peu plus curieux ces dernières semaines, j’ai été quelque peu surpris par la composition même de l’équipe. En posant des questions, j’ai pu avoir plus de précisions sur les rôles de chacun et j’ai compris que sur place, il n’y avait que quelques véritables employés fixes. Tout le reste de l’activité repose sur une organisation plus dispersée : des stagiaires, présents comme moi pour une durée limitée, et des freelances, souvent à distance, qui interviennent ponctuellement selon les besoins.

Au quotidien, le studio travaille presque exclusivement pour Platform21, une autre structure fondée par les mêmes personnes que HWT. C’est ce lien étroit qui rend la situation un peu particulière : on travaille pour un « client », mais ce client est aussi une sorte d’extension du studio. On est à la fois HWT et à la fois Platform21, selon le contexte, les supports ou les interlocuteurs. Cela brouille encore un peu plus les rôles et les frontières.

Je me suis rendu compte que je ne faisais pas partie d’un pôle bien défini avec des collègues aux responsabilités stables. Ici, c’est presque l’inverse. Mon tuteur est à la fois chef de projet, parfois designer, communicant et coordinateur. Il centralise le lien entre tous les intervenants et assure à lui seul la continuité de l’ensemble. Les autres collaborateurs gravitent autour selon les projets, les périodes ou les urgences.

datavisualisation de l’organisation de l’entreprise

Cette configuration atypique m’a obligé à m’adapter. J’ai dû être autonome, proactif, parfois même anticiper les attentes sans cadre strict, ce qui fait que la plupart du temps mes productions ne correspondaient pas aux attentes. Mais paradoxalement, cela m’a aussi permis de prendre plus de place, d’être réellement impliqué dans la production de contenus visuels, vidéos, photographiques ou animés. Ce modèle d’équipe allégée m’a donné l’occasion de mobiliser l’ensemble de mes compétences et de mieux comprendre le fonctionnement global de l’entreprise.

Mais cette organisation pose aussi des questions. Peut-on réellement construire une dynamique d’équipe durable quand celle-ci est en grande partie virtuelle ou temporaire ? Que devient la notion de collectif quand chacun travaille de manière isolée ? L’absence de structure hiérarchique claire peut parfois être une force, elle permet de gagner en souplesse, mais elle rend aussi certaines choses plus floues : responsabilités, limites, demandes, cahier des charges. Et ces dernières semaines, je l’ai vraiment ressenti. Parfois, les demandes sont différentes d’une personne à une autre, les instructions peuvent changer sans que tout le monde soit au courant, et j’ai dû m’adapter à tout ce système.

Ce stage m’a fait découvrir un modèle hybride, à mi-chemin entre studio de création, startup éducative et réseau de collaborateurs. Un modèle qui fonctionne ici grâce à la légèreté des projets, la cohérence de la vision et un bon équilibre entre autonomie et confiance. Ce n’est peut-être pas un modèle généralisable, mais il m’a appris qu’il est possible de concevoir une entreprise autrement, moins figée, plus fluide, mais pas sans exigences.

Penser l’animation comme stratégie

Ces dernières semaines, j’ai travailler sur une campagne de publicité pour le groupe BPCE, à destination des jeunes pour les inciter à assurer leur appartement. Le contenu et les visuels avaient été pensés en amont par ma maître de stage, dans une tonalité accessible et proche des codes de cette génération. Puis il fallait les décliner en animation pour les transports en commun.

Le public ciblé : une génération ultra-connectée, très sollicitée, avec une attention visuelle exigeante et rapide. De plus, un support en particulier a demandé plus de mon attention: les Strides, des stations de recharge pour téléphone dans les lieux publics qui intègrent désormais des écrans de diffusion. C’est un format encore peu exploité, mais très stratégique car il permet de s’adresser directement aux jeunes dans l’espace public, avec un contenu court. L’enjeu était donc de concevoir une animation immédiatement lisible dès les premières secondes.

Les premières animations réalisées (par d’autres) pour la campagne étaient trop plates et trop lentes. Donc le message était bon, mais le support ne suivait pas car elle ne correspondait ni à la cible, ni à l’intention. C’est là qu’on voit ce que signifie l’idée de “le médium est le message”. Si le mouvement n’incarne pas l’énergie du message, alors ce dernier perd en efficacité. C’est ce qui se passait dans les animations. On m’a alors demander de toute les refaire pour qu’elles soient plus en accord avec la campagnes.

Tout au long du projet, ma maître de stage m’a accompagnée et conseillée sur la manière de structurer une animation de manière stratégique. Il ne suffit pas d’enchaîner des effets pour que ce soit “dynamique” car trop d’animations en même temps nuisent à la lisibilité. J’ai voulu donner du rythme sans surcharger, pour faire en sorte que les mouvements servent le message : nous comprenons les jeunes. Et à hiérarchiser l’information visuellement tout en respectant la contrainte de temps que nous imposait le support.

Mon stage s’est terminé, mais certains projets, continuent !

Ce projet est encore en cours car je vais poursuivre le travail à distance pendant l’été. C’est un prolongement inattendu de mon stage : l’agence m’a proposé de continuer à collaborer avec eux. C’est une belle marque de confiance, qui me donne aussi l’occasion d’aller plus loin dans la réflexion.

Ce projet, comme l’ensemble du stage, m’a confirmé que j’ai ma place dans ce domaine, parce que j’y prends vraiment plaisir. Ces trois mois m’ont donné une meilleure compréhension du lien entre contenu, cible, support et forme. Et surtout, j’ai pu prendre conscience que l’animation n’est pas qu’un ajout mais un levier dans la stratégie de communication. L’animation structure le regard, rythme la lecture, hiérarchise l’information. Elle permet de guider l’attention et de mettre en avant ce qui est essentiel. Et c’est très important dans un domaine comme la stratégie de com’ ou l’on cherche à influencer la perception du publique.